Una celebrazione del talento artistico di J.R.R. Tolkien attraverso la riproduzione di 200 opere tra pitture, acquerelli, disegni e schizzi.
Proseguono le visite guidate nel Parco archeologico di Rudiae a Lecce: ogni sabato alle 15 e domenica alle 11 (ingresso 8/6 euro) il pubblico sarà accompagnato alla scoperta della città prima messapica (VII sec. a.C.) e poi romana (III sec. a.C.), nota soprattutto per aver dato i natali al padre della letteratura latina Quinto Ennio (239-169 a.C.). Gli scavi archeologici, avviati sin dalla seconda metà dell'ottocento grazie al Duca Sigismondo Castromediano con la direzione di Luigi De Simone, hanno riportato alla luce aree di necropoli, tombe ipogee scavate nella roccia, porzioni delle fortificazioni messapiche, oltre a tratti di strade basolate, luoghi di culto ed edifici pubblici di età romana. Al centro dell’insediamento si conserva l’Anfiteatro romano, costruito durante il regno dell’imperatore Traiano (98-117 d.C.) e riportato alla luce recentemente. Lecce può vantare, infatti, due anfiteatri romani a distanza di pochi chilometri: quello di Lupiae in Piazza Sant'Oronzo, nel cuore della città, e quello dell'antica Rudiae, nelle campagne alle porte del capoluogo salentino sulla via per San Pietro in Lama. Durante le visite sarà ricordata anche la figura di Otacilia Secundilla, una giovane donna romana vissuta duemila anni fa che, con la sua opera filantropica ha donato le economie proprio per la costruzione dell’Anfiteatro. Rudiae è uno dei siti archeologici più importanti del Salento, oggi fruibile grazie al partenariato pubblico-privato per la promozione e valorizzazione stipulato tra la Soprintendenza Archeologia Belle Arti e Paesaggio per le province di Brindisi e Lecce e A.R.Va srl - spin off dell'Università del Salento, anche sulla base di un preventivo accordo tra la stessa Soprintendenza e il Comune di Lecce. Info e prenotazioni parcoarcheologicorudiae.it
“Il poeta vede l’invisibile/Il Fotografo fornisce le prove”
Con questo aforisma intendevo
esplicitare in sintesi, il mio pensiero sull’attività del poeta e del
fotografo. Entrambi infatti sono sempre in ascolto della realtà e del sogno, ma
entrambi cercano e a volte vedono l’invisibile, ma lo esprimono con mezzi
diversi: uno con la parola, l’altro con le immagini.
Non mancano storicamente grandi
esempi di contaminazione delle arti e dei ruoli (poesia visiva, fotopoesie,
collage, murales), ma ritengo che entrambe attingono linfa ed ispirazione dalla
realtà e dalla strada. Insomma in una parola sono Street Art.
Così come la poesia cattura e
racconta storie ed emozioni, lo scatto fotografico racconta sempre una storia.
Il fotografo e il poeta, devono quindi riuscire a catturare la
relazione e l’interazione tra gli elementi che da una parte la
realtà, e dall’altra la visione interiore, estetica e umana mettono a
disposizione.
A volte si tratta di catturare
delle vere apparizioni, altre di documentare in un reportage tematico la realtà
così com’ è, ovvero come la percepisce e restituisce l’artista.
L’Istante decisivo:
Sicuramente uno dei maestri di questo genere fotografico è il
fotografo Henry Cartier-Bresson, Sua è anche la celebre frase che
definisce che cosa è il “momento decisivo” in fotografia.
“Fotografare è riconoscere nello stesso istante e
in una frazione di secondo un evento e il rigoroso assetto delle forme
percepite con lo sguardo che esprimono e significano tale evento. È porre sulla
stessa linea di mira la mente, gli occhi e il cuore. È un modo di vivere.”
L’istante decisivo è quindi un equilibrio formale che rivela
l’essenza di una situazione. Corrisponde al riconoscimento simultaneo, da una
parte, del significato di un fatto e, dall’altra, nel cristallizzare in un
attimo della percezione estetica in composizione ed equilibrio poetico/formale.
Identificare dei temi:
Una cosa importante è quella d’
identificare dei temi e concentrarsi su alcuni di essi per ogni contest
fotografico, altrimenti si rischia, la confusione, la casualità e la
ridondanza. Ne suggeriamo alcuni ma voi divertitevi a inventarne dei nuovi:
Abbandono
urbano,
Minimalismo, Sguardi
sospesi,
Gente al lavoro [workers], Piedi, scarpe, cappelli, Ombre, Contrasti
sociali,
Riflessi, Apparizioni, Manifesti strappati, Ombre, Suture, Murales, Periferie,
vecchie fabbriche abbandonate, scritte, numeri etc..
La spontaneità dello scatto:
E’ facile intuire che una delle
caratteristiche che il fotografo di strada deve fare proprie è quella di “essere
invisibile”. Questo non significa che il fotografo non deve essere
notato mentre scatta, ma semplicemente che la sua presenza non deve in
alcun modo “modificare o alterare” la realtà. Deve cioè fornire le prove
della sua visione, che vede quello che gli altri non vedono, che sa cogliere la
bellezza nascosta nei dettagli, nelle apparizioni improvvise, nei sogni
strappati sui muri, nei lampi di verità che si annidano nella realtà o ai
margini della strada e sui muri di periferia.
Camminare, guardare e aspettare:
Alex Webb diceva:
“Il miglior modo per conoscere un posto è camminare. Perchè un fotografo di
strada può solamente camminare e guardare, aspettare e parlare, e poi guardare
e aspettare ancora, cercando di restare fiducioso che l’inatteso, l’ignoto, o
il cuore segreto della conoscenza lo attenda proprio dietro l’angolo”.
Antenne aperte e prontezza e velocità
nello scatto:
Charles Harbutt diceva:
“Non sono io a trovare le foto, sono loro a cercare me… io devo solo
assicurarmi di avere la pellicola nella macchina ed essere pronto”.
Significa avere Antenne, mente,
cuore e occhi aperti e sapersi adattare, reagendo di conseguenza, per poter
portare a casa lo scatto desiderato. Questo significa essenzialmente tre cose:
ü
prestare attenzione
a tutto ciò che accade intorno a noi.
ü saper
leggere e vedere le relazioni tra le persone e le cose
ü avere a
disposizione un mezzo maneggevole (non serve necessariamente
avere dietro uno zoom, una nikon o una Canon superaccessoriata, oggi si fanno
bellissime foto di Street Art anche con piccole tascabili o con il cellulare
d’ultima generazione).
I Grandi fotografi e maestri di
riferimento della Street Photography:
Ogni fotografo è libero di sperimentare
e comunicare la propria visione della realtà, ma ogni grande fotografo non può
fare a meno di conoscere i suoi maestri e colleghi di riferimento:
Sono tantissimi i fotografi,
contemporanei e non, che possono essere presi come esempio. Seppur tutti con
uno stile diverso e personale, le loro fotografie hanno fatto la storia di
questo genere fotografico e rimangono delle pietre miliari che non si possono
ignorare!
Qui di seguito ne ricordiamo
alcuni: Henri Cartier-Bresson, Alex Webb, Robert Doisneau, Elliott Erwitt, Garry Winogrand, Vivian
Meier, Josef Koudelka, Robert
Frank, Diane Arbus, Mario De Biasi, Luigi Ghirri, Francesca Woodman, Letizia
Battaglia.
(foto di Donato Di Poce - all rights reserved)
Prosegue il tour di presentazione di Questo è tutto di qui - Bestiario salentino dello scrittore leccese Osvaldo Piliego. Sabato 13 gennaio alle 18 l'autore sarà alla Biblioteca OgniBene di Lecce in dialogo con Dario Goffredo e Margherita Macrì. Domenica 14 gennaio alle 16:30 nel Palazzo Baronale di Novoli, per il ricco programma della Fòcara, appuntamento con il fotografo Giacomo Rosato all'interno del Vintage art market che dalle 10 a mezzanotte, in collaborazione con Luisa Carlà e Manuela Bonetti, accoglierà anche un'esposizione d’arte contemporanea.
%20-%20copertina.jpg)
Martedì 16 gennaio esce People del progetto Roberto Ottaviano Eternal Love: nel cd, registrato durante vari live tra Italia, Svezia, Slovenia, Svizzera e Finlandia, prodotto da Maurizio Bizzochetti per Dodicilune, con il contributo di NuovoImaie, distribuito in Italia e all’estero da Ird e nei principali store online da Believe, il sassofonista barese è affiancato da Marco Colonna (clarinetto basso), Alexander Hawkins (piano), Giovanni Maier (contrabbasso) e Zeno De Rossi (batteria). Con questo progetto discografico prosegue anche nel 2024 la collaborazione tra l'etichetta discografica pugliese e il musicista attivo sulla scena jazzistica internazionale da oltre quarant’anni. Dopo "Un Dio Clandestino" (2008), "Arcthetics. Soffio Primitivo" (2013) , "Forgotten Matches. The Worlds of Steve Lacy" (2014), "Astrolabio" (2015), "Eternal Love" (2018), i due dischi dell’anno per Top Jazz di Musica Jazz, "Sideralis" (2017) e "Resonance & Rhapsodies" (2020), “Charlie’s Blue Skylight” (2022) e i recenti “A che punto è la notte” con il progetto Pinturas (2023) e “Astrolabio mistico” con Michel Godard (2023), arriva dunque People: cinque composizioni originali (Mong's Speakin', Hariprasad, Callas, Niki e Ohnedaruth) e i brani At The Wheel Well di Nikos Kypourgos, Gare Guillemans di Misha Mengelberg e Caminho Das Águas di Rodrigo Manhero.
Giovedì 11 gennaio alle
ore 18:00, Cramum insieme a Verga 1947 e Borghesi Associati presenta
"Private Collection Vol.1 - Lorenzo Marini" alla MyOwnGallery |
Superstudio Più, Via Tortona 27 (Milano). La mostra dedicata al maestro della
Type Art, ideata e curata da Sabino Maria Frassà, rappresenta il primo di una
serie di progetti espositivi volti a raccontare e condividere con il pubblico e
la collettività il ruolo e il "risultato" del collezionismo in
Italia.
Quale, dunque, è il ruolo
del mecenatismo e del collezionismo oggi?
Il mecenatismo e il
supporto all’arte fanno parte del DNA di Milano, città che da sempre ha avuto
in privati cittadini illuminati uno dei principali motori sociali ed economici.
Si tratta di un supporto discreto e tempestivo alle eccellenze artistiche nella
fase di progettazione e produzione. Questo rapporto virtuoso tra mecenate e
artista, tuttavia, presenta il limite di rischiare di essere elitario e
accessibile solo a pochi privilegiati, che frequentano tali fortunate
abitazioni. Cramum, pertanto, dà vita con questa mostra a una forma di
"restituzione collettiva" e di condivisione della bellezza alla
società.
Come ricorda l'artista
"L'arte senza il mercato non sarebbe nulla. Trovare, perciò, un proprio
pubblico e un proprio collezionismo rispettoso della propria poetica è un
elemento fondamentale nella carriera di ogni artista. Devo molto alle persone
che, senza pretesa di influenzarmi, hanno creduto in me e alla mia crescita.
Questa mostra è un racconto bellissimo di un decennale rapporto di stima e di
amicizia, che ha accompagnato la maturazione della mia arte nella liberazione
delle lettere, delle parole e, infine, del pensiero."
LE OPERE IN MOSTRA DI LORENZO MARINI
"Private Collection
Vol.1 - Lorenzo Marini" offre un’opportunità unica per esplorare le opere
dell'artista raccolte nel corso degli anni da un noto e lungimirante
collezionista milanese, che ha scelto di mantenere l’anonimato. Molti dei
lavori non sono mai stati esposti al pubblico prima, in quanto si trovano in
diverse residenze, non solo milanesi.
Sabino Maria Frassà
introduce la mostra spiegando che “il percorso espositivo indaga il potere
delle lettere come fondamento del nostro pensiero e della nostra esistenza:
dalla gioia espressa nei primi alfabeti all’annichilimento visualizzato nelle
opere più recenti, i cosiddetti “Buchi Neri”. La mostra si apre con la
presentazione di questi ultimi lavori intitolati in modo suggestivo
dall’artista “Where Unspoken Words End”. Appena presentati a Miami questi
quadri rivelano un profondo interrogativo sul futuro della comunicazione,
trasversale a tutta la ricerca espressiva di Marini, il quale non può che
interrogarsi oggi dove finiscano le moltitudini di parole dette: che senso
hanno? Sono promesse dimenticate o semplicemente dissipate nell’aria? Il buco
nero, presente nelle nostre galassie, diventa un simbolo che assorbe sia lo
spazio che il tempo, aprendo a interpretazioni suggestive sulla natura delle
parole e sulla loro possibile scomparsa in una dimensione sconosciuta. In
queste opere le lettere, “liberate” da secoli di contestualizzazioni, si
uniscono in vortici senza formare parole complete. L’assenza di punteggiatura
contribuisce a creare un discorso apparentemente impossibile, una
destrutturazione delle lettere che, unite, formano un non senso dominante nelle
nostre vite. Tuttavia, l’artista cerca anche di intravedere una speranza nello
stesso “buco nero”, inteso come un punto catartico della nostra comunicazione.
Potrebbe essere un portale verso un’altra dimensione, dove le parole liberate
trovano una destinazione sconosciuta, diventando simboli e portatori di una
pura bellezza, nuova protagonista della nostra esistenza”.
La mostra perciò unisce i
tantissimi dubbi dei giorni d’oggi con una visione pragmatica e fiduciosa
nell’avvenire. Un messaggio che Cramum fa proprio in questa operazione di
“restituzione” artistico-sociale alla collettività.
L’ARTE DI LORENZO MARINI
“La ricerca artistica di
Lorenzo Marini si basa su anni di esperienza come creative director e
pubblicitario, dove il linguaggio, le parole e la comunicazione sono stati e
continuano a essere gli strumenti principali […] Caposcuola della Type Art dal
2016, Marini, con il movimento da lui fondato, si propone di liberare le
lettere, ponendo l’attenzione sull’estetica e sul significato del segno
grafico. Questo movimento è parte di una più ampia indagine sul futuro della
comunicazione e del linguaggio. Ogni lettera nelle opere di Marini diventa un
elemento di un puzzle che racconta storie, suscita emozioni e solleva
interrogativi. Invita gli spettatori a sperimentare la magia delle lettere,
coglierne il significato più profondo e riflettere sul potenziale comunicativo
e stimolante delle stesse. L’artista sfida a guardare oltre le parole, a
scoprire nuovi modi di comunicare e interpretare il mondo, sempre più visivo ma
anche sempre più divisivo. [...] Attraverso le sue opere, Marini invita a
riflettere sulla velocità della trasformazione del linguaggio e sulla fusione
tra sintassi tradizionale, immagini, loghi e persino emoticons”. (Sabino Maria
Frassà)
LORENZO MARINI (SHORT
BIO)
Lorenzo Marini è un
artista italiano che vive e lavora fra Milano, Los Angeles e New York. Sviluppa
la sua poetica sotto il grande maestro Emilio Vedova, dopo avers tudiato
Architettura all’Università di Venezia. Dopo Miami e New York, nel l2014, la
Provincia di Milano gli ha dedicato una grande antologica, in cui ha presentato
vent’anni di lavori. Nel 2016 ha tenuto a battesimo, presso il Palazzo della
Permanente di Milano, la “Type Art”, movimento di cui è caposcuola. Questa
nuova corrente, in cui riscopre il colore, può essere definita come
l’esaltazione dello studio dell’alfabeto e in particolare delle fonti dei
caratteri grafici. Dopo la mostra Personale al Gaggenau di Milano e alla
Fondazione Bevilaqua La Masa, alla Biennale di Venezia ha partecipato al
padiglione Armenia, presentando un’ulteriore evoluzione della TypeArt, il
passaggio alla terza dimensione, con installazioni dedicate ad altrettante
lettere dell’alfabeto. Nel 2021 vince il premio AVI per la mostra di
contemporary art più visitata dell’anno tenuta al Complesso Museale Santa Maria
della Scala di Siena.
Uno studio che attraverso una ricerca scientifica ha messo in relazione l'ambiente grafico, quale risultante della personalità, del comportamento e della psicologia del profondo di ogni persona, e il corpo, quale ambiente grafico umano sul quale imprimere ed esprimere il proprio carattere e il proprio vissuto. Lo studio si incentra sul concetto che il disegno cosciente svela l'ambiente grafico inconscio; cioè, come la grafologia fonda la sua idea sulla scrittura come espressione dello scrivente che si evolve e si modifica insieme a lui, in funzione dei suoi stati d'animo (emozioni e sentimenti) e dei suoi istinti innati, attraverso la visione dinamica con l'espressività neurofisiologica e psicologica del gesto grafico, così il tatuaggio svela l'identità personale con un'accezione profonda, quale espressione grafica della propria interiorità. Sia per la grafia che per l'immagine impressa sul corpo, il significato va cercato nell'inconscio.
Martedì 9 Gennaio, alle 17, presso la sede del Dipartimento di Beni Culturali dell’Università del Salento (via Dalmazio Birago, 64), il regista e animatore Enzo d’Alò sarà il protagonista di un incontro, in cui dialogherà con il prof. Luca Bandirali, docente di cinema, fotografia e televisione) e con Alessia De Blasi e Simone Marsano, del “CineClub Universitario” di Lecce. Considerato uno dei massimi esponenti europei del cinema d’animazione, Enzo D’Alò ha diretto serie e film usciti e apprezzati in tutto il mondo.
Ha firmato film di enorme successo, come “La Freccia Azzurra”, vincitore di due “Nastri d’Argento” e un “David di Donatello”, con le musiche composte da Paolo Conte, oltre a “La Gabbianella e il Gatto”, record di incassi e vincitore di un “Nastro d’Argento” e del Premio del Pubblico al Festival di Montreal; da ricordare anche “Momo alla conquista del tempo”, tratto dall’omonimo racconto di Michael Ende, con le musiche di Gianna Nannini, e “Opopomoz”, film d’animazione dedicato a Napoli, sua città natale.Nel 2012 Enzo d’Alò ha inaugurato le “Giornate degli Autori” alla 69^ edizione della Mostra del Cinema di Venezia con “Pinocchio”, con i disegni di Lorenzo Mattotti e le musiche di Lucio Dalla: il film ha ottenuto la “nomination” agli “European Film Awards”. “Mary e lo Spirito di Mezzanotte” (2023), il suo ultimo lavoro, è stato proiettato, nelle ultime settimane, ai festival internazionali di Locarno, Galway, Shanghai e alla “Berlinale”, all’interno del concorso “Generation KPlus”.Come ha più volte affermato nelle sue interviste, Enzo d’Alò considera l’animazione uno strumento per raccontare prima di tutto delle storie: illustratori, doppiatori, attori e musicisti (lo stesso regista è un musicista jazz) si trovano, dunque, a lavorare su testi letterari di grandi autori per cercare di trasmettere un’istanza narrativa dal messaggio universale.L’incontro è organizzato dal “CineClub Universitario”, in collaborazione con il corso di laurea triennale in “DAMS - Discipline dell’Arte, della Musica e dello Spettacolo” e il corso di laurea magistrale in “Scienze dello Spettacolo e della Produzione Audiovisiva” (Dipartimento di Beni Culturali) dell’Università del Salento.(Gabriele De Blasi)
Il gruppo calabrese Castrum, la cantante salentina Consuelo Alfieri e il duo formato da Beppe Dettori e Raoul Moretti sono i vincitori nelle varie categorie della settima edizione del Premio nazionale Folk & World. Nata nel 2015, la manifestazione dedicata a band ed esperienze italiane attive nel folk e nella world music, è promossa e ideata dall’Aps Sud Ethnic in collaborazione con Li Ucci Festival di Cutrofiano, MEI – Meeting delle Etichette Indipendenti di Faenza, Festival di Musica Popolare di Forlimpopoli e in partenariato con il magazine online BlogFoolk. Sin dalla prima edizione (con una pausa nel 2020 e 2021 a causa delle restrizioni da Covid19) il riconoscimento ha assegnato varie menzioni speciali e concesso la possibilità ai vincitori di esibirsi nel corso dei tre festival coinvolti. A settembre il programma della quattordicesima edizione de Li Ucci Festival accoglierà i Castrum, vincitori del Premio Nazionale Folk & World e ambasciatori da quasi dieci anni della cultura musicale del sud Italia attraverso l’attento recupero di canti e balli della tradizione. A Cutrofiano e al MEI di Faenza si esibirà invece Consuelo Alfieri che conquista non solo il "Premio Nazionale Folk & World - Nuove Generazioni", dedicato agli under 35, ma, grazie al bando NuovoImaie, un contributo per l'organizzazione e la promozione di un tour. Il progetto solista della cantante, da alcuni anni tra le voci più apprezzate dell'Orchestra della Notte della Taranta, è ispirato alla “musica del mondo” e alla ricchezza della danza popolare salentina, rivisitate e riproposte grazie a brani inediti capaci di coinvolgere gli spettatori con la loro energia catartica e liberatoria. Il “Premio Scuola musica popolare”, infine, è stato assegnato al duo formato dal cantante e chitarrista sardo Beppe Dettori, già voce dei Tanzenda, e dall'arpista italo svizzero Raoul Moretti, che al Festival di Musica Popolare di Forlimpopoli proporrà i pezzi originali in italiano, sardo, inglese, portoghese e dialetto lombardo “lagheé” dal sound originale. Ai vincitori anche un ricordo in ceramica, forma d'artigianato di qualità che accomuna Cutrofiano e Faenza. Nel corso delle precedenti edizioni il Folk & World è stato vinto da Armonauti, Canusìa e Tramas (2015), Sleego, Hosteria di Giò, N. Espiral e, con premi extra, Sancto Ianne e La Sornette (2016), Mi Linda Dama, Luigi Palumbo & Aquarata, DiaDuit (2017), Beike Moro, Lamorivostri, Soballera (2018), Dahlia, Saber System, I Trillanti e Civico 22 (2019). Manutsa, Ensemble Terra Mater, Amakorà e Coro Farthan (2022). Info liuccifestival.it - 3776954833.
